Diálogo intercontinental con el arte contemporáneo

El cardenal José Tolentino de Mendonça es un gran poeta, un autor laureado con más de 40 libros a su haber. Según Javier Cercas, ya merece el Premio Nobel. Ese prestigio explica que ahora esté a la cabeza del Dicasterio de la Cultura y la Educación en el Vaticano y que este año haya lanzado una primera Trienal de Arte Contemporáneo enlazando a siete universidades católicas de igual número de ciudades: Río de Janeiro, Bogotá, Boston, Milán, Lisboa, Luanda y Santiago de Chile.

El impulso tiene raíces profundas en la Iglesia Católica. En el Concilio Vaticano II se acordó iniciar un diálogo intenso con la cultura moderna. Por largo tiempo, la Iglesia la había mirado con desconfianza –por racionalista, liberal e iconoclasta–, pero ya no podía desconocer que los seres humanos del siglo XX expresaban ahí, en sus lenguajes, las dudas, incertidumbres y esperanzas de hombres y mujeres de cada época. También sus anhelos de trascendencia. Eran varios los artistas e intelectuales católicos relevantes que reclamaban un acercamiento.

Al cierre del Concilio, en diciembre de 1965, el Papa Paulo VI hizo visible ese interés de la Iglesia, porque “el mundo necesita belleza para no caer en la desesperanza”. Dando una señal poderosa, en 1973 creó la Colección de Arte Religioso Moderno de los Museos Vaticanos, con obras de creadores como Matisse, Picasso, Dalí, Chagall y Francis Bacon.

En 1982, el Papa Juan Pablo II sumó a la antiquísima Congregación para la Educación Católica, dedicada a las universidades y colegios católicos, el Consejo Pontificio para la Cultura. Este último fue reformado en 2022 por el Papa Francisco, en su profunda reforma de la curia para gobernar mejor el Vaticano. La modificación consistió en la creación de 16 dicasterios –ministerios–. Uno de ellos es el responsable de la Educación y Cultura.

Este organismo no estaría centrado de forma exclusiva en el coleccionismo. Como señal de ello, en 2013 el Vaticano instaló un pabellón en la Bienal de Venecia. Además, el año pasado y casi frente a la Plaza de San Pedro –por iniciativa del cardenal-poeta Tolentino–, se instaló una galería permanente, y abierta a la calle, con arte contemporáneo: Conciliazione 5.

EN TRES CONTINENTES

El actual es el proyecto más ambicioso desde entonces: la primera Trienal Internacional de Arte de Universidades Católicas (ART CUT) con artistas contemporáneos de América, África y Europa invitados a exponer sus obras en torno a un tema común: la empatía.

La idea brotó alineada con la encíclica Magnifica humanitas, del Papa León XIV, la que insta a las universidades católicas a interpretar creativamente la complejidad de los desafíos actuales y a comprometerse “a hacer más justa y fraterna la vida de nuestras sociedades“.

De siete universidades católicas, tres son de América Latina: la Pontificia Universidad Católica do Río de Janeiro, la Pontificia Universidad Católica de Chile y la Pontificia Universidad Javeriana de Colombia.

Como poeta, el cardenal Tolentino ha sido enfático en poner en alto la necesidad del arte como “lenguaje privilegiado” a la hora de buscar la comunicación entre los seres humanos, con lenguajes universales que traspasan las fronteras y van directo hacia las grandes preguntas del ser humano.

Durante la inauguración de la exposición, realizada en el MAVI UC, el cardenal agradeció, a través de una misiva, el aporte del rector Juan Carlos de la Llera para producir la Trienal. El cardenal citó a la filósofa Edith Stein (Santa Teresa de la Cruz) a propósito de la empatía: “¿Cómo conocer verdaderamente al otro, sin reducirlo a un simple reflejo de mí mismo?”. Para la filósofa, se necesita una empatía humilde, una “distancia respetuosa” ante aquello del otro que es inaccesible, para acceder a un verdadero conocimiento del otro, algo que no sucede en las interacciones por inteligencia artificial, aspecto que también atraviesa el momento de la Trienal.

La curaduría general de este evento está a cargo del académico portugués Nuno Crespo (Lisboa, 1975), reconocido investigador, crítico de arte y director de la Escuela de las Artes de la Universidad Católica Portuguesa, cuyos ensayos sobre figuras como Adolf Loos, Aldo Rossi, Immanuel Kant, Ludwig Wittgenstein y Walter Benjamin tienen amplia circulación. Como compatriota del cardenal, ya conocía su quehacer en la cultura antes de que fuera investido. Además, conoce las distancias entre los artistas y los expertos de las instituciones de enseñanza, estos más normados. Es por lo que le pareció un privilegio participar en este encuentro de mundos.

Con la Universidad Católica como anfitriona en Chile y la curaduría local de la chilena Alexia Tala (curadora independiente, investigadora y crítica de arte), la exhibición estará abierta hasta el próximo 22 de noviembre y se despliega, especialmente, en el Museo de Arte Contemporáneo MAVI UC, con intervenciones en el Museo Chileno de Arte Precolombino, la Parroquia de la Veracruz y el Bodegón de Los Vilos.

El rector de la universidad, Juan Carlos de la Llera, explicó el esfuerzo asumido “porque creemos profundamente que el arte tiene la capacidad de abrir espacios de encuentro, de diálogo y de reflexión sobre los grandes desafíos de nuestro tiempo”.

Bajo el título de “Ejercicios de empatía: Tramas de lo vivo”, la exposición invita a reconocer que el haber entendido a la naturaleza como un recurso disponible para la explotación y la acumulación de riqueza ha dañado la Casa Común, el planeta en el que vivimos.

Las obras llevan a conectarse con el tiempo profundo de la Tierra, con la memoria inscrita en los paisajes, las cosmovisiones indígenas y las infinitas relaciones de las especies que se conectan en lo geológico, lo biológico y lo cósmico. En palabras de Alexia Tala, “reconocer nuestra pertenencia a esta trama viva constituye el primer paso para imaginar otras formas de coexistencia basadas en la interdependencia, el cuidado y la responsabilidad compartida”.

A lo anterior Crespo agrega un objetivo fundamental de esta exhibición intercontinental: “Para mí es muy importante que esta trienal sea una propuesta en la cual el arte se entienda como una herramienta que nos permita, de algún modo, resistir a esta especie de corriente muy poderosa de deshumanización que vivimos en la actualidad”.

“Para mí es muy importante que esta trienal sea una propuesta en la cual el arte se entienda como una herramienta que nos permita, de algún modo, resistir a esta especie de corriente muy poderosa de deshumanización que vivimos en la actualidad” (Nuno Crespo)

ARTE EN EL TERRITORIO

Según explica Nuno Crespo, la muestra persigue destacar lo que nos une, pero con rasgos identitarios de cada zona específica. Por lo mismo, además de integrar a artistas internacionales, debían existir creadores nacionales que reflejaran la realidad de cada contexto. Más allá de lo que significó la curaduría general, era fundamental que cada ciudad propusiera su propio ejercicio artístico de empatía. En el caso de Chile, su geografía de contrastes tan particular es protagonista.

“Para mí siempre fue una intuición que lo que hacía sentido en Chile era trabajar con la naturaleza, con todo lo que implica: construcción del territorio y las poblaciones indígenas. Entonces, después la definición final surgió la propuesta de Alexia Tala, de reunir ‘las tramas de lo vivo’, que junta una idea de naturaleza muy poética, pero también de encuentros muy interesantes, fértiles, con producciones culturales que vienen de las poblaciones originarias de Chile”, relata Crespo.

“Reconocer nuestra pertenencia a esta trama viva constituye el primer paso para imaginar otras formas de coexistencia basadas en la interdependencia, el cuidado y la responsabilidad compartida” (Alexia Tala)

“Materia y tiempo” es una de las temáticas de la exposición, la que lleva a observar que minerales, piedras, sonido y procesos geológicos revelan “una historia que antecede ampliamente la presencia humana”. En relación con ello, Deborah Stratman –destacada artista visual y cineasta de Estados Unidos– se concentró en los minerales como protagonistas de una historia evolutiva que antecede a la vida orgánica, que también interactúan con los seres vivos.

El rector de la universidad, Juan Carlos de la Llera, explicó el esfuerzo asumido “porque creemos profundamente que el arte tiene la capacidad de abrir espacios de encuentro, de diálogo y de reflexión sobre los grandes desafíos de nuestro tiempo”

En la categoría “Geografías vivas”, las obras buscan transmitir que los paisajes no son espacios pasivos, sino que en ellos confluyen procesos naturales, historias y formas de habitar. Con la obra “Desborde”, la chilena Josefina Guilisasti –Premio Altazor 2008– trabajó con cera de abeja para reflejar lo vulnerables que son los ecosistemas de montaña y hacer visible el retroceso de los glaciares. Para ello, representó a la cordillera de los Andes.

También en “Geografías vivas”, el británico Hamish Fulton, uno de los principales artistas de land art británicos, conocido por sus caminatas a lo largo de medio siglo –su método para aprender a reconocer la vida de los territorios al margen de las fronteras políticas–, presenta una obra que grafica sus andanzas europeas, donde predominan las de España, país al que ha dedicado varios libros luego de recorrerlo de costa a costa más de una vez.

En el área de “Ecologías del futuro”, la invitación de los artistas se orienta hacia nuevas formas de relación entre especies, territorios, tecnologías y saberes, haciendo uso de cambios de escala, lenguajes interespecie, saberes ancestrales y escenarios especulativos. Ahí aparece la obra “Vülngo Ko” del chileno Bernardo Oyarzún, con una gran vasija de barro que se presenta acompañada del sonido persistente de una gota de agua. Así evocó la concepción mapuche del agua como una fuerza viva, portadora de energía y memoria. De origen mestizo, la reivindicación de las cosmovisiones indígenas es una constante en su trayectoria.

En el ámbito de las “Cosmovisiones en conflicto”, se hizo presente la pregunta sobre lo que podríamos estar perdiendo al no considerar otras formas de conocimiento y de habitar el mundo. El guatemalteco Benvenuto Chavajay optó por revisitar el relato fundacional maya del Popol Vuh, sobre las creaciones asociadas a la tierra, la madera y el maíz –él agregó las plantas medicinales–, y los relatos de origen del pueblo Tikuna. Considera que el arte puede ser un rito de “sanación” de las heridas coloniales.

La sección “Entre lo terrestre y lo cósmico” hace visible la vinculación directa entre lo frágil y lo inmenso, lo terrestre y lo celeste, como expresiones de un mismo entramado de relaciones. La panameña Donna Conlon –bióloga conocida por trabajar con objetos desechados y por obras originales, como una que transformó el polvo de las alas de mariposas en constelaciones-, también presenta “From the ashes”, un colibrí que parece sin vida y que, de pronto, podría emprender el vuelo, porque la naturaleza, afortunadamente, cuando es protegida puede persistir y regenerarse.